VertebraDansa
International Performing Arts Festival
Chaz Buzan
Marie-Louise Hertog
Peeping Tom
Maura Morales
Candela Capitán
Wim Vandekeybus
James Vu Anh Pham
Horacio Macuacua
Alleyne Dance
Los INnato
Rakesh Sukesh
Yasser D’Oquendo
© 2026 All rights reserved
Chaz Buzan es un bailarín, coreógrafo y educador con raíces en Arizona, cuyo trabajo abarca la interpretación, la enseñanza y la colaboración creativa. Su movimiento explora la yuxtaposición entre el impulso y la quietud, creando obras que son a la vez precisas y profundamente humanas. Chaz aporta una presencia emocional sólida y una fisicalidad refinada a cada proyecto. Sus créditos profesionales incluyen actuaciones y coreografías para artistas de renombre mundial como Madonna, Britney Spears, FKA twigs y Chappell Roan. Ha participado en algunos de los escenarios más importantes de la industria, como los MTV Video Music Awards, los Grammy Awards y, recientemente, la 97ª edición de los Premios de la Academia. Deseoso de continuar su trayectoria, sigue creando y conectando con artistas jóvenes y profesionales de todo el mundo.
Una clase contemporánea de alta intensidad basada en la potencia, la musicalidad y el compromiso interpretativo. Los bailarines trabajarán con secuencias exigentes que requieren resistencia, precisión e intensidad corporal total. La clase explora el equilibrio entre la fuerza física en bruto y el control intencional, enfatizando un movimiento que es feroz pero claro. A través de frases vigorosas e intrincadas, los bailarines profundizarán en la conciencia musical, superarán sus límites energéticos habituales y asumirán riesgos mientras definen una nueva intensidad con detalle refinado. Juntos, cultivaremos un mayor sentido de calidad escénica, una conexión física encarnada y consciente con la música y, en última instancia, una presencia escénica poderosa.
Marie-Louise Hertog es una bailarina contemporánea neerlandesa afincada en Alemania, que actualmente trabaja como intérprete en MiR Dance Company bajo la dirección de Giuseppe Spota. Graduada en Codarts, ha trabajado con Nanine Linning Dance Company, Scapino Ballet y con numerosos coreógrafos internacionales. En 2025 coreografió Sacre para Scapino Ballet y ha estado compartiendo su investigación en improvisación a través de talleres, actuaciones y colaboraciones tanto en escena como en pantalla.
Este taller combina tareas de improvisación guiada con frases coreográficas enseñadas para explorar la calidad del movimiento, la musicalidad, la coordinación y la diversidad física. A través del uso de reglas simples, imágenes y ejercicios estructurados, los participantes investigarán cómo las limitaciones pueden convertirse en herramientas para la creatividad y cómo la estructura puede abrir nuevas posibilidades de libertad en el movimiento.
El material compartido se desarrollará y ampliará a lo largo de la semana, fomentando la curiosidad, la adaptabilidad y una mayor conciencia de los hábitos y preferencias de movimiento personales. Al trabajar tanto con material improvisado como con material fijado, se invita a los bailarines a reflexionar sobre cómo toman decisiones, responden a la información musical y espacial, y construyen claridad dentro de la complejidad.
El taller tiene como objetivo apoyar la confianza, la presencia y una comprensión creciente del lenguaje de movimiento individual dentro de un entorno de aprendizaje colectivo.
SAMUEL LEFEUVRE
Formado en danza en Caen y en el CNDC de Angers, Samuel Lefeuvre se trasladó a Bruselas en 2001, donde trabajó como intérprete con Michèle Anne De Mey y Les Ballets C. de la B. Posteriormente se unió a Peeping Tom, cofundó ENTORSE junto a Raphaëlle Latini, creó varias obras y colaboró con Jérôme Bel y Boris Charmatz/TERRAIN, participando también en la creación del Festival de Aviñón 2014 en la Cour d’Honneur.
LAUREN LANGLOIS
Lauren Langlois se incorporó a Peeping Tom en 2020 para Triptych. Anteriormente bailó con Australian Dance Theatre, Sydney Dance Company y Chunky Move, obteniendo importantes nominaciones a premios. Colaboró extensamente con Anouk van Dijk, con quien ganó un Green Room Award, y ha trabajado con numerosas compañías. Beneficiaria de la beca Tanja Liedtke, también coreografía a nivel internacional y crea obras para diversas instituciones en todo el mundo.
FRANCK CHARTIER (profesor invitado online)
Franck Chartier comenzó a bailar a los once años y se formó en ballet clásico en Cannes. Actuó con el Ballet du 20ème Siècle, trabajó con Angelin Preljocaj y más tarde se unió a importantes compañías de Bruselas como Rosas, Needcompany y Les Ballets C de la B. Cofundador de Peeping Tom en 2000, dirige producciones de danza y ópera aclamadas internacionalmente. Ha creado obras para Nederlands Dans Theater.
Por primera vez desde la creación de la serie Kitchen, Peeping Tom deja su estudio en Bruselas para participar en Vertebra Dansa 2026. Dirigido por Samuel Lefeuvre y Lauren Langlois, con una conferencia online de Franck Chartier, este intensivo de verano ofrece una visión del proceso creativo de la compañía.
Durante cinco días, los participantes desarrollarán ideas a partir de la vida cotidiana, utilizarán el entorno como fuente de movimiento y construirán personajes a través del contexto y el espacio. Mediante un enfoque multidisciplinar, darán forma y estructura al material hasta convertirlo en una pieza coherente.
Abierto a intérpretes, coreógrafos y artistas, el taller proporciona herramientas para la creación tanto individual como colectiva.
Desde 2010, la galardonada bailarina y coreógrafa independiente Maura lidera su propia compañía de danza, la Cooperativa Maura Morales, junto al compositor Michio Woirgardt, para la cual ha creado varias piezas de larga duración desde entonces. Con una media de unas 50 funciones al año, el conjunto es una de las compañías independientes de danza con mayor actividad de gira en Alemania (a nivel nacional e internacional), actuando regularmente por Europa, Asia y América del Sur. Maura Morales también es una coreógrafa invitada muy solicitada y ha creado obras por encargo para numerosos teatros estatales y municipales.
Desde una profunda preocupación por respetar el cuerpo como un aliado y no solo como una herramienta, Maura propone un taller en el que el enfoque inicial se centra en una escucha sensible y sensorial del cuerpo. A través de secuencias, respiración profunda y calentamientos con improvisación, se despiertan las sensaciones y se refina la percepción corporal.
Maura combina juegos, dinámicas energéticas, improvisación y trabajo de suelo para potenciar la conciencia del cuerpo en movimiento. Utiliza la velocidad como catalizador que permite integrar esta conciencia en respuestas espontáneas, orgánicas y auténticas, nacidas de un cuerpo plenamente presente y comprometido.
Junto al compositor y músico Michio Woirgardt, invitará a los participantes a adentrarse en el lenguaje, las herramientas, la forma de trabajo y el proceso de creación de la Cooperativa Maura Morales. Exploraremos las dinámicas y ritmos del movimiento, así como el valioso papel de la música como guía cuando se escucha con atención durante la creación. La importancia del porqué antes del cómo.
Candela Capitán (Sevilla, 1996) es una artista interdisciplinar y coreógrafa cuyo trabajo se sitúa en la intersección entre la danza, la performance y la intervención digital. Su práctica explora el cuerpo como medio y soporte, investigando cómo el poder, la tecnología y la hipervisibilidad configuran la experiencia corporal y el deseo en la sociedad contemporánea. Desde una perspectiva feminista, su trabajo cuestiona las formas de representación y los mecanismos de poder que atraviesan los cuerpos y las subjetividades, desarrollando una obra que reúne experimentación, reflexión y creación artística.
Explora los intersticios entre la composición coreográfica y la performance. Candela Capitán desarrolla sus proyectos a través de estas dos disciplinas, entendiendo que cada obra requiere una estructura específica determinada por el propio proyecto, evitando criterios preconcebidos en cuanto a forma o contenido.
Durante el taller se seleccionará un tema común para el trabajo colectivo, que servirá como punto de partida para el desarrollo de ideas, la planificación de estructuras, la implementación de ejercicios de composición coreográfica y la creación de una estructura definida.
El laboratorio combina práctica coreográfica, análisis y reflexión crítica, abordando aspectos recurrentes en el trabajo de la artista, como los efectos de las tecnologías de la comunicación en el cuerpo, la sobreexposición del cuerpo femenino, la saturación de imágenes en los entornos digitales y las dinámicas de alienación contemporánea.
Wim Vandekeybus es un coreógrafo, bailarín, cineasta y artista visual belga, ampliamente reconocido como una de las figuras más influyentes de la danza contemporánea europea. En 1986 fundó Ultima Vez, obteniendo reconocimiento internacional por redefinir la performance contemporánea a través del riesgo, la imprevisibilidad y una intensa interacción física. Sus obras exploran el instinto, el conflicto y la relación entre cuerpo y mente, a menudo difuminando los límites entre la danza y el teatro. Más allá de la coreografía, ha dirigido películas y ha creado proyectos de artes visuales, continuando la expansión del lenguaje escénico a nivel internacional.
Este taller, impartido por Wim Vandekeybus con la asistencia de Masha Kolegova, se divide en dos partes complementarias. La primera se centra en el entrenamiento técnico del lenguaje físico desarrollado en las producciones de Ultima Vez, trabajando el suelo, el uso del espacio, la legibilidad del movimiento, la musicalidad y la complicidad. La segunda parte explora la puesta en escena teatral: cómo una idea, historia, emoción o memoria puede transformarse en una performance donde el movimiento y la palabra conviven. Se reflexiona sobre el impacto de las formas elegidas en la experiencia del público, el valor del vacío y el concepto de “menos es más”. Más que un taller formativo, esta semana intensiva es un espacio de intercambio y creación, donde se trabajan las habilidades creativas y la conexión con el resultado escénico final.
James Vu Anh Pham ha trabajado extensamente con destacados coreógrafos y compañías internacionales, incluyendo a Anouk van Dijk desde 2012, Sidi Larbi Cherkaoui desde 2016 y Akram Khan desde 2019. Ha participado en numerosas producciones con Chunky Move, Eastman, GöteborgsOperans Danskompani, Bayerische Staatsoper, Theater Basel y en Outwitting the Devil de la Akram Khan Company, realizando giras internacionales.
Pham recibió el Helpmann Award en 2014 y el Australian Dance Award a la Mejor Interpretación Masculina. Es profesor certificado de Countertechnique desde 2014 y se unió a Opera Ballet Vlaanderen en 2021, donde ha interpretado obras de Alain Platel y Jan Martens. Más recientemente, realizó una gira internacional con Madonna.
Este taller se adentra en una práctica de movimiento híbrida, con raíces en la danza urbana y expandida a través de herramientas contemporáneas, floorwork e improvisación. A partir de su lenguaje personal, James propone un enfoque dinámico que conecta precisión, groove y fluidez, con un fuerte énfasis en las transiciones y la textura.
Los participantes explorarán trayectorias entre el trabajo de pie y el suelo, trabajando la eficiencia, el control y la toma de riesgos, mientras desarrollan la conciencia del timing, la musicalidad y la intención espacial. La clase se mueve entre material guiado y la investigación abierta, animando a cada bailarín a encontrar su propia voz dentro del trabajo.
Se presta especial atención al flujo, la continuidad y la articulación del cuerpo en movimiento, combinando el entrenamiento técnico con la exploración creativa. El taller está abierto a bailarines interesados en ir más allá de los estilos y en implicarse en una fisicalidad híbrida y versátil.
El bailarín y coreógrafo mozambiqueño es el director artístico de la compañía de danza que lleva su nombre. Horacio Macuacua desarrolla proyectos que buscan ir más allá de las formas establecidas. La flexibilidad mental y la disponibilidad para captar el momento se traducen en un movimiento que se convierte instantáneamente en composiciones complejas y elaboradas, mostrando profundidad y juego, oscuridad y luz. Cada composición es un viaje para reinventar y transformar dentro de los parámetros del significado. Ha llevado a cabo sus proyectos: COMUM, Canais, Orobroy, Stop! (1er Premio y Premio Puma Creative en el Festival Danse l’Afrique Danse 2010), Smile If You Can!, Fighting Room, Convoy, Paradise is not in the sky! y Theka.
Horacio ha colaborado con coreógrafos como Cristina Moura, Thomas Hauert, George Khumalo, Wim Vandekeybus/Última Vez y David Zambrano, a quien considera su maestro y mentor.
Como docente, ha impartido clases y talleres en Francia, Alemania, España, Bélgica, Holanda, Chipre, Estados Unidos, Corea del Sur, Brasil, Sudáfrica, Mozambique, entre otros.
La inflexibilidad de lo establecido paraliza el movimiento, apaga la ingeniosidad y proyecta una sombra sobre la sorpresa. Pero la fuerza vital nos hace adaptables, nos da la oportunidad de transformar el espacio y de traducir la energía en materia, la materia en su propia evolución. El contorno de lo espontáneo se difumina hasta desaparecer, los márgenes de lo predecible se suavizan y reconocemos el signo de interrogación que cuestiona la respuesta automática. El cuerpo nos permite trascender.
Horacio propone un trabajo altamente físico que exige atención, interés e intensidad más que un determinado nivel técnico, desafiando el potencial de cada bailarín para llevar más allá los límites de la imaginación corporal y la expresión, descubriendo nuevas y sorprendentes posibilidades.
El taller evoluciona a partir de lo que el grupo aporta, ya que la capacidad de crear y componer físicamente necesita entrenamiento y atención, además de técnica o estilo. A través del proceso grupal, los participantes aprenden unos de otros mediante la aceptación y la transformación, la colaboración y la observación de su propia danza y la del conjunto.
Multi-award-winning Alleyne Dance is a unique and powerful company that blends Caribbean, Hip Hop and Kathak, within a contemporary dance context. The choreographic language focuses on rhythms and textures with movement that is athletic, fast paced and dynamic, with infusions of lyrical and fluid motion. Founded in 2014 by award-winning sisters, Kristina and Sadé Alleyne, the company strives for high quality and excellence in our three main objectives: Performance, Participation & Development.
Dynamics Rhythm & Texture emphasises strong, complex floor-work sequences and technical movement exploration through articulation, spirals, breath, and improvisation rooted in physical intention. The workshop aims to cultivate dancers’ creativity, musicality, and performance quality, encouraging honest, intentional choices driven by passion and strength.
Afro-Fusion combines several energetic styles with influences from traditional dance forms from Zimbabwe, Nigeria, Caribbean and South Africa as well as Western dance styles. It is a motivating, physically demanding dance class that combines movements to different genres of music and is great fun.
Marko Fonseca
Marko Fonseca (Costa Rica) is the director of the independent dance company Los INnato, founded in 2009. Trained at the El Barco Conservatory, he has worked with companies in Costa Rica and Europe, including Los DenMedium and ADN Dialect. Los INnato has created over 25 works and toured extensively across the Americas, Europe, and Asia. His current work focuses on research and collaboration, and he teaches in-PRACTICAL [identification of the other], a practice that merges movement arts, martial arts, and partnering work. The company has received multiple international awards for works such as Kitsch, matchPoint, Etérea, and NO/nato, including prizes at SóLODOS en Danza Costa Rica and the Burgos–New York International Choreography Competition. Fonseca has developed his work through international residencies and was co-director of La Machine International Street Festival (2015–2023). He currently directs the Revés International Training Platform and the Full Out Urban Dance Festival.
Camilla Melani
Italian-born dancer and choreographer Camilla Melani trained at IFPRO in Paris before joining the Junior Company Cobosmika. With a strong foundation in classical and contemporary dance, she quickly directed her research toward floorwork and partnering, deepening these practices as both physical and expressive tools. She began creating her first works at a young age, presenting them at festivals and in international performance contexts. She is currently working as a performer with the Kafig Company, directed by Mourad Merzouki, and with the Dyptik Company, led by Souhail Marchiche and Mehdi Meghari. At the same time, she develops her own projects through the Circe Company, based in Toulouse, creating performances, workshops, and choreographic projects both in France and internationally.
El método de enseñanza Identificación del Otro es una técnica de entrenamiento basada en las artes marciales, sobre todo de la técnica de Jiu Jitsu Brasileño y diferentes dinámicas de entrenamiento corporal. Con el objetivo de comprender los principios básicos del movimiento humano y establecer diferentes conexiones con el otro. Es un método que se caracteriza por tener un paso a paso funcional y didáctico, brindando experiencias facilitadoras de resultados. Cuenta con una serie de ejercicios los cuales sirven para preparar el cuerpo y están pensados para trabajar sobre la dificultad de los movimientos que implica el desarrollo del ‘truco’ en todas sus facetas de aprendizaje: emocional, intelectual y corporal – mecánico. Este entrenamiento se focaliza en la técnica y está adaptado de tal manera para optimizar la fuerza, coordinación, tono muscular – punto cero, energía, el instinto, la conciencia, líderes y seguidores, como también la conexión entre los compañeros, generando confianza y buena comunicación. Buscamos que no se convierta solo en la ejecución de una acrobacia, sino en cómo bailar esa destreza y a través de ella, de tal manera que forma y contenido estén correctamente conectados. El flujo en la comunicación física depende de la conciencia de un equilibrio compartido.
Rakesh Sukesh es un bailarín contemporáneo, coreógrafo y docente indio afincado en Europa, reconocido internacionalmente por su refinado lenguaje de movimiento y su cuidada voz coreográfica. Formado originalmente en India, Sukesh amplió su carrera en Europa, colaborando con coreógrafos de renombre mientras desarrollaba su propio lenguaje artístico. Su trabajo fusiona la danza contemporánea con influencias de tradiciones de movimiento indias, artes marciales y prácticas somáticas.
Sus creaciones coreográficas exploran la identidad, la migración, la memoria y las relaciones humanas, combinando precisión técnica con profundidad emocional. Sukesh imparte clases a nivel internacional, centradas en la conciencia del movimiento, el trabajo en pareja y la exploración creativa, animando a los bailarines a conectar la técnica con la expresión personal.
El método, desarrollado a lo largo de años de investigación, observación y adaptación a los tiempos contemporáneos, integra respiración, movimiento, emoción, pensamiento, intención y entorno para potenciar la humanidad en su forma más auténtica. Ofrece un espacio seguro y honesto para explorar y reconocer tanto las debilidades como las fortalezas personales, utilizándolas a través de la reflexión y el desarrollo continuo.
Se trata de un sistema interconectado que utiliza el movimiento como base para crear, afrontar y jugar dentro de situaciones de crisis, ampliando el vocabulario corporal y la conciencia individual. Inspirado en prácticas como la respiración, la meditación y la mecánica interna del yoga —combinadas con el movimiento y las filosofías del Kalaripayattu—, propone un enfoque holístico que despierta los sentidos y permite gestionar los estímulos externos, fomentando la autogestión y una conexión más profunda con uno mismo.
Yasser D’Oquendo es un bailarín contemporáneo y performer reconocido por su fuerte presencia física y su lenguaje de movimiento expresivo, desarrollado a lo largo de una carrera internacional en Europa y América Latina.
Formado en danza contemporánea y prácticas performativas, su trabajo explora a menudo la identidad, la memoria física y la relación entre cuerpo, espacio y emoción. A lo largo de su carrera, ha colaborado con numerosos coreógrafos y compañías, participando en producciones escénicas, festivales y proyectos internacionales de gira.
Además de su carrera como intérprete, D’Oquendo participa activamente en la enseñanza y transmisión, compartiendo su práctica a través de talleres y procesos creativos centrados en la conciencia corporal, la investigación del movimiento y la presencia performativa. Su trabajo se destaca por su intensidad emocional, precisión y capacidad para conectar profundamente con el público a través del movimiento.
El Método D’Oquendo, creado por Yasser D’Oquendo —bailarín, coreógrafo y docente con una carrera internacional—, es un enfoque de movimiento que integra técnica, conciencia corporal y animalidad. Su propósito es proporcionar herramientas prácticas para conectar con el cuerpo de manera holística, expandir el potencial expresivo y descubrir el poder transformador del instinto.
Este método surge de muchos años de experiencia profesional en danza contemporánea, folclórica, moderna y clásica, y combina técnica, respiración, conciencia corporal e improvisación para guiar a cada persona hacia un movimiento auténtico, profundo y plenamente presente.
El Método D’Oquendo propone una forma de habitar el cuerpo a través de la escucha y la organicidad, despertando el poder expresivo que reside en cada individuo. Una danza que no solo se interpreta: se siente, se encarna y se transforma en una presencia viva.
Chaz Buzan es un bailarín, coreógrafo y educador con raíces en Arizona, cuyo trabajo abarca la interpretación, la enseñanza y la colaboración creativa. Su movimiento explora la yuxtaposición entre el impulso y la quietud, creando obras que son a la vez precisas y profundamente humanas. Chaz aporta una presencia emocional sólida y una fisicalidad refinada a cada proyecto. Sus créditos profesionales incluyen actuaciones y coreografías para artistas de renombre mundial como Madonna, Britney Spears, FKA twigs y Chappell Roan. Ha participado en algunos de los escenarios más importantes de la industria, como los MTV Video Music Awards, los Grammy Awards y, recientemente, la 97ª edición de los Premios de la Academia. Deseoso de continuar su trayectoria, sigue creando y conectando con artistas jóvenes y profesionales de todo el mundo.
Una clase contemporánea de alta intensidad basada en la potencia, la musicalidad y el compromiso interpretativo. Los bailarines trabajarán con secuencias exigentes que requieren resistencia, precisión e intensidad corporal total. La clase explora el equilibrio entre la fuerza física en bruto y el control intencional, enfatizando un movimiento que es feroz pero claro. A través de frases vigorosas e intrincadas, los bailarines profundizarán en la conciencia musical, superarán sus límites energéticos habituales y asumirán riesgos mientras definen una nueva intensidad con detalle refinado. Juntos, cultivaremos un mayor sentido de calidad escénica, una conexión física encarnada y consciente con la música y, en última instancia, una presencia escénica poderosa.
Marie-Louise Hertog es una bailarina contemporánea neerlandesa afincada en Alemania, que actualmente trabaja como intérprete en MiR Dance Company bajo la dirección de Giuseppe Spota. Graduada en Codarts, ha trabajado con Nanine Linning Dance Company, Scapino Ballet y con numerosos coreógrafos internacionales. En 2025 coreografió Sacre para Scapino Ballet y ha estado compartiendo su investigación en improvisación a través de talleres, actuaciones y colaboraciones tanto en escena como en pantalla.
Este taller combina tareas de improvisación guiada con frases coreográficas enseñadas para explorar la calidad del movimiento, la musicalidad, la coordinación y la diversidad física. A través del uso de reglas simples, imágenes y ejercicios estructurados, los participantes investigarán cómo las limitaciones pueden convertirse en herramientas para la creatividad y cómo la estructura puede abrir nuevas posibilidades de libertad en el movimiento.
El material compartido se desarrollará y ampliará a lo largo de la semana, fomentando la curiosidad, la adaptabilidad y una mayor conciencia de los hábitos y preferencias de movimiento personales. Al trabajar tanto con material improvisado como con material fijado, se invita a los bailarines a reflexionar sobre cómo toman decisiones, responden a la información musical y espacial, y construyen claridad dentro de la complejidad.
El taller tiene como objetivo apoyar la confianza, la presencia y una comprensión creciente del lenguaje de movimiento individual dentro de un entorno de aprendizaje colectivo.
SAMUEL LEFEUVRE
Formado en danza en Caen y en el CNDC de Angers, Samuel Lefeuvre se trasladó a Bruselas en 2001, donde trabajó como intérprete con Michèle Anne De Mey y Les Ballets C. de la B. Posteriormente se unió a Peeping Tom, cofundó ENTORSE junto a Raphaëlle Latini, creó varias obras y colaboró con Jérôme Bel y Boris Charmatz/TERRAIN, participando también en la creación del Festival de Aviñón 2014 en la Cour d’Honneur.
LAUREN LANGLOIS
Lauren Langlois se incorporó a Peeping Tom en 2020 para Triptych. Anteriormente bailó con Australian Dance Theatre, Sydney Dance Company y Chunky Move, obteniendo importantes nominaciones a premios. Colaboró extensamente con Anouk van Dijk, con quien ganó un Green Room Award, y ha trabajado con numerosas compañías. Beneficiaria de la beca Tanja Liedtke, también coreografía a nivel internacional y crea obras para diversas instituciones en todo el mundo.
FRANCK CHARTIER (profesor invitado online)
Franck Chartier comenzó a bailar a los once años y se formó en ballet clásico en Cannes. Actuó con el Ballet du 20ème Siècle, trabajó con Angelin Preljocaj y más tarde se unió a importantes compañías de Bruselas como Rosas, Needcompany y Les Ballets C de la B. Cofundador de Peeping Tom en 2000, dirige producciones de danza y ópera aclamadas internacionalmente. Ha creado obras para Nederlands Dans Theater.
Por primera vez desde la creación de la serie Kitchen, Peeping Tom deja su estudio en Bruselas para participar en Vertebra Dansa 2026. Dirigido por Samuel Lefeuvre y Lauren Langlois, con una conferencia online de Franck Chartier, este intensivo de verano ofrece una visión del proceso creativo de la compañía.
Durante cinco días, los participantes desarrollarán ideas a partir de la vida cotidiana, utilizarán el entorno como fuente de movimiento y construirán personajes a través del contexto y el espacio. Mediante un enfoque multidisciplinar, darán forma y estructura al material hasta convertirlo en una pieza coherente.
Abierto a intérpretes, coreógrafos y artistas, el taller proporciona herramientas para la creación tanto individual como colectiva.
Desde 2010, la galardonada bailarina y coreógrafa independiente Maura lidera su propia compañía de danza, la Cooperativa Maura Morales, junto al compositor Michio Woirgardt, para la cual ha creado varias piezas de larga duración desde entonces. Con una media de unas 50 funciones al año, el conjunto es una de las compañías independientes de danza con mayor actividad de gira en Alemania (a nivel nacional e internacional), actuando regularmente por Europa, Asia y América del Sur. Maura Morales también es una coreógrafa invitada muy solicitada y ha creado obras por encargo para numerosos teatros estatales y municipales.
Desde una profunda preocupación por respetar el cuerpo como un aliado y no solo como una herramienta, Maura propone un taller en el que el enfoque inicial se centra en una escucha sensible y sensorial del cuerpo. A través de secuencias, respiración profunda y calentamientos con improvisación, se despiertan las sensaciones y se refina la percepción corporal.
Maura combina juegos, dinámicas energéticas, improvisación y trabajo de suelo para potenciar la conciencia del cuerpo en movimiento. Utiliza la velocidad como catalizador que permite integrar esta conciencia en respuestas espontáneas, orgánicas y auténticas, nacidas de un cuerpo plenamente presente y comprometido.
Junto al compositor y músico Michio Woirgardt, invitará a los participantes a adentrarse en el lenguaje, las herramientas, la forma de trabajo y el proceso de creación de la Cooperativa Maura Morales. Exploraremos las dinámicas y ritmos del movimiento, así como el valioso papel de la música como guía cuando se escucha con atención durante la creación. La importancia del porqué antes del cómo.
Candela Capitán (Sevilla, 1996) es una artista interdisciplinar y coreógrafa cuyo trabajo se sitúa en la intersección entre la danza, la performance y la intervención digital. Su práctica explora el cuerpo como medio y soporte, investigando cómo el poder, la tecnología y la hipervisibilidad configuran la experiencia corporal y el deseo en la sociedad contemporánea. Desde una perspectiva feminista, su trabajo cuestiona las formas de representación y los mecanismos de poder que atraviesan los cuerpos y las subjetividades, desarrollando una obra que reúne experimentación, reflexión y creación artística.
Explora los intersticios entre la composición coreográfica y la performance. Candela Capitán desarrolla sus proyectos a través de estas dos disciplinas, entendiendo que cada obra requiere una estructura específica determinada por el propio proyecto, evitando criterios preconcebidos en cuanto a forma o contenido.
Durante el taller se seleccionará un tema común para el trabajo colectivo, que servirá como punto de partida para el desarrollo de ideas, la planificación de estructuras, la implementación de ejercicios de composición coreográfica y la creación de una estructura definida.
El laboratorio combina práctica coreográfica, análisis y reflexión crítica, abordando aspectos recurrentes en el trabajo de la artista, como los efectos de las tecnologías de la comunicación en el cuerpo, la sobreexposición del cuerpo femenino, la saturación de imágenes en los entornos digitales y las dinámicas de alienación contemporánea.
Wim Vandekeybus es un coreógrafo, bailarín, cineasta y artista visual belga, ampliamente reconocido como una de las figuras más influyentes de la danza contemporánea europea. En 1986 fundó Ultima Vez, obteniendo reconocimiento internacional por redefinir la performance contemporánea a través del riesgo, la imprevisibilidad y una intensa interacción física. Sus obras exploran el instinto, el conflicto y la relación entre cuerpo y mente, a menudo difuminando los límites entre la danza y el teatro. Más allá de la coreografía, ha dirigido películas y ha creado proyectos de artes visuales, continuando la expansión del lenguaje escénico a nivel internacional.
Este taller, impartido por Wim Vandekeybus con la asistencia de Masha Kolegova, se divide en dos partes complementarias. La primera se centra en el entrenamiento técnico del lenguaje físico desarrollado en las producciones de Ultima Vez, trabajando el suelo, el uso del espacio, la legibilidad del movimiento, la musicalidad y la complicidad. La segunda parte explora la puesta en escena teatral: cómo una idea, historia, emoción o memoria puede transformarse en una performance donde el movimiento y la palabra conviven. Se reflexiona sobre el impacto de las formas elegidas en la experiencia del público, el valor del vacío y el concepto de “menos es más”. Más que un taller formativo, esta semana intensiva es un espacio de intercambio y creación, donde se trabajan las habilidades creativas y la conexión con el resultado escénico final.
James Vu Anh Pham ha trabajado extensamente con destacados coreógrafos y compañías internacionales, incluyendo a Anouk van Dijk desde 2012, Sidi Larbi Cherkaoui desde 2016 y Akram Khan desde 2019. Ha participado en numerosas producciones con Chunky Move, Eastman, GöteborgsOperans Danskompani, Bayerische Staatsoper, Theater Basel y en Outwitting the Devil de la Akram Khan Company, realizando giras internacionales.
Pham recibió el Helpmann Award en 2014 y el Australian Dance Award a la Mejor Interpretación Masculina. Es profesor certificado de Countertechnique desde 2014 y se unió a Opera Ballet Vlaanderen en 2021, donde ha interpretado obras de Alain Platel y Jan Martens. Más recientemente, realizó una gira internacional con Madonna.
Este taller se adentra en una práctica de movimiento híbrida, con raíces en la danza urbana y expandida a través de herramientas contemporáneas, floorwork e improvisación. A partir de su lenguaje personal, James propone un enfoque dinámico que conecta precisión, groove y fluidez, con un fuerte énfasis en las transiciones y la textura.
Los participantes explorarán trayectorias entre el trabajo de pie y el suelo, trabajando la eficiencia, el control y la toma de riesgos, mientras desarrollan la conciencia del timing, la musicalidad y la intención espacial. La clase se mueve entre material guiado y la investigación abierta, animando a cada bailarín a encontrar su propia voz dentro del trabajo.
Se presta especial atención al flujo, la continuidad y la articulación del cuerpo en movimiento, combinando el entrenamiento técnico con la exploración creativa. El taller está abierto a bailarines interesados en ir más allá de los estilos y en implicarse en una fisicalidad híbrida y versátil.
El bailarín y coreógrafo mozambiqueño es el director artístico de la compañía de danza que lleva su nombre. Horacio Macuacua desarrolla proyectos que buscan ir más allá de las formas establecidas. La flexibilidad mental y la disponibilidad para captar el momento se traducen en un movimiento que se convierte instantáneamente en composiciones complejas y elaboradas, mostrando profundidad y juego, oscuridad y luz. Cada composición es un viaje para reinventar y transformar dentro de los parámetros del significado. Ha llevado a cabo sus proyectos: COMUM, Canais, Orobroy, Stop! (1er Premio y Premio Puma Creative en el Festival Danse l’Afrique Danse 2010), Smile If You Can!, Fighting Room, Convoy, Paradise is not in the sky! y Theka.
Horacio ha colaborado con coreógrafos como Cristina Moura, Thomas Hauert, George Khumalo, Wim Vandekeybus/Última Vez y David Zambrano, a quien considera su maestro y mentor.
Como docente, ha impartido clases y talleres en Francia, Alemania, España, Bélgica, Holanda, Chipre, Estados Unidos, Corea del Sur, Brasil, Sudáfrica, Mozambique, entre otros.
La inflexibilidad de lo establecido paraliza el movimiento, apaga la ingeniosidad y proyecta una sombra sobre la sorpresa. Pero la fuerza vital nos hace adaptables, nos da la oportunidad de transformar el espacio y de traducir la energía en materia, la materia en su propia evolución. El contorno de lo espontáneo se difumina hasta desaparecer, los márgenes de lo predecible se suavizan y reconocemos el signo de interrogación que cuestiona la respuesta automática. El cuerpo nos permite trascender.
Horacio propone un trabajo altamente físico que exige atención, interés e intensidad más que un determinado nivel técnico, desafiando el potencial de cada bailarín para llevar más allá los límites de la imaginación corporal y la expresión, descubriendo nuevas y sorprendentes posibilidades.
El taller evoluciona a partir de lo que el grupo aporta, ya que la capacidad de crear y componer físicamente necesita entrenamiento y atención, además de técnica o estilo. A través del proceso grupal, los participantes aprenden unos de otros mediante la aceptación y la transformación, la colaboración y la observación de su propia danza y la del conjunto.
Multi-award-winning Alleyne Dance is a unique and powerful company that blends Caribbean, Hip Hop and Kathak, within a contemporary dance context. The choreographic language focuses on rhythms and textures with movement that is athletic, fast paced and dynamic, with infusions of lyrical and fluid motion. Founded in 2014 by award-winning sisters, Kristina and Sadé Alleyne, the company strives for high quality and excellence in our three main objectives: Performance, Participation & Development.
Dynamics Rhythm & Texture emphasises strong, complex floor-work sequences and technical movement exploration through articulation, spirals, breath, and improvisation rooted in physical intention. The workshop aims to cultivate dancers’ creativity, musicality, and performance quality, encouraging honest, intentional choices driven by passion and strength.
Afro-Fusion combines several energetic styles with influences from traditional dance forms from Zimbabwe, Nigeria, Caribbean and South Africa as well as Western dance styles. It is a motivating, physically demanding dance class that combines movements to different genres of music and is great fun.
Marko Fonseca
Marko Fonseca (Costa Rica) is the director of the independent dance company Los INnato, founded in 2009. Trained at the El Barco Conservatory, he has worked with companies in Costa Rica and Europe, including Los DenMedium and ADN Dialect. Los INnato has created over 25 works and toured extensively across the Americas, Europe, and Asia. His current work focuses on research and collaboration, and he teaches in-PRACTICAL [identification of the other], a practice that merges movement arts, martial arts, and partnering work. The company has received multiple international awards for works such as Kitsch, matchPoint, Etérea, and NO/nato, including prizes at SóLODOS en Danza Costa Rica and the Burgos–New York International Choreography Competition. Fonseca has developed his work through international residencies and was co-director of La Machine International Street Festival (2015–2023). He currently directs the Revés International Training Platform and the Full Out Urban Dance Festival.
Camilla Melani
Italian-born dancer and choreographer Camilla Melani trained at IFPRO in Paris before joining the Junior Company Cobosmika. With a strong foundation in classical and contemporary dance, she quickly directed her research toward floorwork and partnering, deepening these practices as both physical and expressive tools. She began creating her first works at a young age, presenting them at festivals and in international performance contexts. She is currently working as a performer with the Kafig Company, directed by Mourad Merzouki, and with the Dyptik Company, led by Souhail Marchiche and Mehdi Meghari. At the same time, she develops her own projects through the Circe Company, based in Toulouse, creating performances, workshops, and choreographic projects both in France and internationally.
El método de enseñanza Identificación del Otro es una técnica de entrenamiento basada en las artes marciales, sobre todo de la técnica de Jiu Jitsu Brasileño y diferentes dinámicas de entrenamiento corporal. Con el objetivo de comprender los principios básicos del movimiento humano y establecer diferentes conexiones con el otro. Es un método que se caracteriza por tener un paso a paso funcional y didáctico, brindando experiencias facilitadoras de resultados. Cuenta con una serie de ejercicios los cuales sirven para preparar el cuerpo y están pensados para trabajar sobre la dificultad de los movimientos que implica el desarrollo del ‘truco’ en todas sus facetas de aprendizaje: emocional, intelectual y corporal – mecánico. Este entrenamiento se focaliza en la técnica y está adaptado de tal manera para optimizar la fuerza, coordinación, tono muscular – punto cero, energía, el instinto, la conciencia, líderes y seguidores, como también la conexión entre los compañeros, generando confianza y buena comunicación. Buscamos que no se convierta solo en la ejecución de una acrobacia, sino en cómo bailar esa destreza y a través de ella, de tal manera que forma y contenido estén correctamente conectados. El flujo en la comunicación física depende de la conciencia de un equilibrio compartido.
Rakesh Sukesh es un bailarín contemporáneo, coreógrafo y docente indio afincado en Europa, reconocido internacionalmente por su refinado lenguaje de movimiento y su cuidada voz coreográfica. Formado originalmente en India, Sukesh amplió su carrera en Europa, colaborando con coreógrafos de renombre mientras desarrollaba su propio lenguaje artístico. Su trabajo fusiona la danza contemporánea con influencias de tradiciones de movimiento indias, artes marciales y prácticas somáticas.
Sus creaciones coreográficas exploran la identidad, la migración, la memoria y las relaciones humanas, combinando precisión técnica con profundidad emocional. Sukesh imparte clases a nivel internacional, centradas en la conciencia del movimiento, el trabajo en pareja y la exploración creativa, animando a los bailarines a conectar la técnica con la expresión personal.
El método, desarrollado a lo largo de años de investigación, observación y adaptación a los tiempos contemporáneos, integra respiración, movimiento, emoción, pensamiento, intención y entorno para potenciar la humanidad en su forma más auténtica. Ofrece un espacio seguro y honesto para explorar y reconocer tanto las debilidades como las fortalezas personales, utilizándolas a través de la reflexión y el desarrollo continuo.
Se trata de un sistema interconectado que utiliza el movimiento como base para crear, afrontar y jugar dentro de situaciones de crisis, ampliando el vocabulario corporal y la conciencia individual. Inspirado en prácticas como la respiración, la meditación y la mecánica interna del yoga —combinadas con el movimiento y las filosofías del Kalaripayattu—, propone un enfoque holístico que despierta los sentidos y permite gestionar los estímulos externos, fomentando la autogestión y una conexión más profunda con uno mismo.
Yasser D’Oquendo es un bailarín contemporáneo y performer reconocido por su fuerte presencia física y su lenguaje de movimiento expresivo, desarrollado a lo largo de una carrera internacional en Europa y América Latina.
Formado en danza contemporánea y prácticas performativas, su trabajo explora a menudo la identidad, la memoria física y la relación entre cuerpo, espacio y emoción. A lo largo de su carrera, ha colaborado con numerosos coreógrafos y compañías, participando en producciones escénicas, festivales y proyectos internacionales de gira.
Además de su carrera como intérprete, D’Oquendo participa activamente en la enseñanza y transmisión, compartiendo su práctica a través de talleres y procesos creativos centrados en la conciencia corporal, la investigación del movimiento y la presencia performativa. Su trabajo se destaca por su intensidad emocional, precisión y capacidad para conectar profundamente con el público a través del movimiento.
El Método D’Oquendo, creado por Yasser D’Oquendo —bailarín, coreógrafo y docente con una carrera internacional—, es un enfoque de movimiento que integra técnica, conciencia corporal y animalidad. Su propósito es proporcionar herramientas prácticas para conectar con el cuerpo de manera holística, expandir el potencial expresivo y descubrir el poder transformador del instinto.
Este método surge de muchos años de experiencia profesional en danza contemporánea, folclórica, moderna y clásica, y combina técnica, respiración, conciencia corporal e improvisación para guiar a cada persona hacia un movimiento auténtico, profundo y plenamente presente.
El Método D’Oquendo propone una forma de habitar el cuerpo a través de la escucha y la organicidad, despertando el poder expresivo que reside en cada individuo. Una danza que no solo se interpreta: se siente, se encarna y se transforma en una presencia viva.