VertebraDansa
International Performing Arts Festival
Chaz Buzan
Marie-Louise Hertog
Peeping Tom
Maura Morales
Candela Capitán
Wim Vandekeybus
James Vu Anh Pham
Horacio Macuacua
Alleyne Dance
Los INnato
Rakesh Sukesh
Yasser D’Oquendo
© 2026 All rights reserved
Chaz Buzan és un ballarí, coreògraf i educador amb arrels a Arizona, el treball del qual abasta la interpretació, l’ensenyament i la col·laboració creativa. El seu moviment explora la juxtaposició entre l’impuls i la quietud, creant obres que són alhora precises i profundament humanes. Chaz aporta una presència emocional arrelada i una fisicalitat refinada a cada projecte. Els seus crèdits professionals inclouen actuacions i coreografies per a artistes de renom mundial com Madonna, Britney Spears, FKA twigs i Chappell Roan. Ha participat en alguns dels escenaris més importants de la indústria, com els MTV Video Music Awards, els Grammy Awards i, recentment, la 97a edició dels Premis de l’Acadèmia. Amb ganes de continuar el seu recorregut, segueix creant i connectant amb artistes joves i professionals d’arreu del món.
Una classe contemporània d’alta intensitat basada en la potència, la musicalitat i el compromís interpretatiu. Els ballarins treballaran amb seqüències exigents que requereixen resistència, precisió i una intensitat corporal total. La classe explora l’equilibri entre la força física en estat pur i el control intencional, posant èmfasi en un moviment que és ferotge però clar. A través de frases vigoroses i intricades, els ballarins aprofundiran en la consciència musical, superaran els seus límits energètics habituals i assumiran riscos mentre defineixen una nova intensitat amb detall refinat. Junts, cultivarem un sentit més elevat de qualitat escènica, una connexió física encarnada i conscient amb la música i, finalment, una presència escènica poderosa.
Marie-Louise Hertog és una ballarina contemporània neerlandesa establerta a Alemanya, que actualment treballa com a intèrpret a la MiR Dance Company sota la direcció de Giuseppe Spota. Graduada a Codarts, ha treballat amb Nanine Linning Dance Company, Scapino Ballet i nombrosos coreògrafs convidats internacionals. El 2025 va coreografiar Sacre per a Scapino Ballet i ha compartit la seva recerca en improvisació a través de tallers, actuacions i col·laboracions tant en escena com en pantalla.
Aquest taller combina tasques d’improvisació guiada amb frases coreogràfiques apreses per explorar la qualitat del moviment, la musicalitat, la coordinació i la diversitat física. Mitjançant l’ús de regles simples, imatges i exercicis estructurats, els participants investigaran com les limitacions poden esdevenir eines per a la creativitat i com l’estructura pot obrir noves possibilitats de llibertat en el moviment.
El material compartit es desenvoluparà i s’ampliarà al llarg de la setmana, fomentant la curiositat, l’adaptabilitat i una major consciència dels hàbits i preferències de moviment personals. Treballant tant amb material improvisat com amb material fixat, es convida els ballarins a reflexionar sobre com prenen decisions, responen a la informació musical i espacial, i construeixen claredat dins de la complexitat. El taller té com a objectiu reforçar la confiança, la presència i una comprensió creixent del llenguatge de moviment individual dins d’un entorn d’aprenentatge col·lectiu.
SAMUEL LEFEUVRE
Format en dansa a Caen i al CNDC d’Angers, Samuel Lefeuvre es va traslladar a Brussel·les l’any 2001, on va treballar com a intèrpret amb Michèle Anne De Mey i Les Ballets C. de la B. Posteriorment es va unir a Peeping Tom, va cofundar ENTORSE amb Raphaëlle Latini, va crear diverses obres i va col·laborar amb Jérôme Bel i Boris Charmatz/TERRAIN, participant també en la creació del Festival d’Avinyó 2014 a la Cour d’Honneur.
LAUREN LANGLOIS
Lauren Langlois es va incorporar a Peeping Tom el 2020 per a Triptych. Anteriorment va ballar amb Australian Dance Theatre, Sydney Dance Company i Chunky Move, obtenint importants nominacions a premis. Va col·laborar extensament amb Anouk van Dijk, amb qui va guanyar un Green Room Award, i ha treballat amb nombroses companyies. Becària de la Tanja Liedtke Fellowship, també coreografia a escala internacional i crea obres per a diverses institucions arreu del món.
FRANCK CHARTIER (professor convidat en línia)
Franck Chartier va començar a ballar als onze anys i es va formar en ballet clàssic a Cannes. Va actuar amb el Ballet du 20ème Siècle, va treballar amb Angelin Preljocaj i més tard es va unir a importants companyies de Brussel·les com Rosas, Needcompany i Les Ballets C de la B. Cofundador de Peeping Tom l’any 2000, dirigeix produccions de dansa i òpera reconegudes internacionalment. Ha creat obres per al Nederlands Dans Theater.
Per primera vegada des de la creació de la sèrie Kitchen, Peeping Tom surt del seu estudi de Brussel·les per participar a Vertebra Dansa 2026. Dirigit per Samuel Lefeuvre i Lauren Langlois, amb una conferència en línia de Franck Chartier, aquest intensiu d’estiu ofereix una visió del procés creatiu de la companyia.
Durant cinc dies, els participants desenvoluparan idees a partir de la vida quotidiana, utilitzaran l’entorn com a font de moviment i construiran personatges a través del context i l’espai. Mitjançant un enfocament multidisciplinari, donaran forma i estructura al material fins a convertir-lo en una peça coherent.
Obert a intèrprets, coreògrafs i artistes, el taller proporciona eines per a la creació tant individual com col·lectiva.
Des del 2010, la guardonada ballarina i coreògrafa independent Maura lidera la seva pròpia companyia de dansa, la Cooperativa Maura Morales, juntament amb el compositor Michio Woirgardt, per a la qual ha creat diverses peces de llarga durada des de llavors. Amb una mitjana d’unes 50 funcions anuals, el conjunt és una de les companyies independents de dansa amb més activitat de gira a Alemanya (tant en l’àmbit nacional com internacional), actuant regularment per Europa, Àsia i Amèrica del Sud. Maura Morales també és una coreògrafa convidada molt sol·licitada i ha creat obres per encàrrec per a nombrosos teatres estatals i municipals.
Des d’una profunda preocupació per respectar el cos com un aliat i no només com una eina, Maura proposa un taller en què l’enfocament inicial se centra en una escolta sensible i sensorial del cos. A través de seqüències, respiració profunda i escalfaments amb improvisació, es desperten les sensacions i es refina la percepció corporal.
Maura combina jocs, dinàmiques energètiques, improvisació i treball de terra per potenciar la consciència del cos en moviment. Utilitza la velocitat com a catalitzador que permet integrar aquesta consciència en respostes espontànies, orgàniques i autèntiques, nascudes d’un cos plenament present i compromès.
Juntament amb el compositor i músic Michio Woirgardt, convidarà els participants a endinsar-se en el llenguatge, les eines, la manera de treballar i el procés de creació de la Cooperativa Maura Morales. Explorarem les dinàmiques i ritmes del moviment, així com el valuós paper de la música com a guia quan s’escolta amb atenció durant la creació. La importància del perquè abans del com.
Candela Capitán (Sevilla, 1996) és una artista interdisciplinària i coreògrafa el treball de la qual se situa a la intersecció entre la dansa, la performance i la intervenció digital. La seva pràctica explora el cos com a mitjà i suport, investigant com el poder, la tecnologia i la hipervisibilitat configuren l’experiència corporal i el desig en la societat contemporània. Des d’una perspectiva feminista, el seu treball qüestiona les formes de representació i els mecanismes de poder que travessen els cossos i les subjectivitats, desenvolupant una obra que reuneix experimentació, reflexió i creació artística.
Explora els intersticis entre la composició coreogràfica i la performance. Candela Capitán desenvolupa els seus projectes a través d’aquestes dues disciplines, entenent que cada obra requereix una estructura específica determinada pel mateix projecte, evitant criteris preconcebuts pel que fa a la forma o el contingut.
Durant el taller se seleccionarà un tema comú per al treball col·lectiu, que servirà com a punt de partida per al desenvolupament d’idees, la planificació d’estructures, la implementació d’exercicis de composició coreogràfica i la creació d’una estructura definida.
El laboratori combina pràctica coreogràfica, anàlisi i reflexió crítica, abordant aspectes recurrents en el treball de l’artista, com els efectes de les tecnologies de la comunicació sobre el cos, la sobreexposició del cos femení, la saturació d’imatges en els entorns digitals i les dinàmiques d’alienació contemporània.
Wim Vandekeybus és un coreògraf, ballarí, cineasta i artista visual belga, àmpliament reconegut com una de les figures més influents de la dansa contemporània europea. El 1986 va fundar Ultima Vez, aconseguint reconeixement internacional per redefinir la performance contemporània a través del risc, la imprevisibilitat i una intensa interacció física. Les seves obres exploren l’instint, el conflicte i la relació entre cos i ment, sovint difuminant les fronteres entre dansa i teatre. Més enllà de la coreografia, ha dirigit pel·lícules i ha creat projectes d’arts visuals, continuant expandint el llenguatge de la performance a nivell internacional.
Aquest taller, impartit per Wim Vandekeybus amb l’assistència de Masha Kolegova, es divideix en dues parts complementàries. La primera se centra en l’entrenament tècnic del llenguatge físic desenvolupat en les produccions d’Ultima Vez, treballant el terra, l’ús de l’espai, la llegibilitat del moviment, la musicalitat i la complicitat. La segona part explora la posada en escena teatral: com una idea, història, emoció o memòria es pot transformar en una performance on el moviment i la paraula conviuen. Es reflexiona sobre l’impacte de les formes escollides en l’experiència del públic, el valor del buit i el concepte de “menys és més”. Més que un taller formatiu, aquesta setmana intensiva és un espai d’intercanvi i creació, on es treballen les habilitats creatives i la connexió amb el resultat escènic final.
James Vu Anh Pham ha treballat extensament amb destacats coreògrafs i companyies internacionals, incloent-hi Anouk van Dijk des de 2012, Sidi Larbi Cherkaoui des de 2016 i Akram Khan des de 2019.
Ha participat en nombroses produccions amb Chunky Move, Eastman, GöteborgsOperans Danskompani, Bayerische Staatsoper, Theater Basel i Outwitting the Devil de la companyia d’Akram Khan, fent gires internacionals.
Pham va rebre el premi Helpmann l’any 2014 i l’Australian Dance Award a la millor interpretació masculina. Professor certificat de Countertechnique des de 2014, es va incorporar a Opera Ballet Vlaanderen el 2021, on ha interpretat obres d’Alain Platel i Jan Martens. Més recentment, ha fet gira internacional amb Madonna.
Aquest taller s’endinsa en una pràctica de moviment híbrida arrelada en la dansa urbana i ampliada amb eines contemporànies, treball de terra i improvisació. A partir del seu llenguatge personal, James proposa un enfocament dinàmic que connecta precisió, groove i fluïdesa, amb un fort èmfasi en les transicions i la textura.
Els participants exploraran els camins entre la posició dempeus i el treball de terra, treballant l’eficiència, el control i l’assumpció de riscos, alhora que desenvolupen la consciència del temps, la musicalitat i la intenció espacial. La classe es mou entre material guiat i recerca oberta, encoratjant cada ballarí a trobar la seva pròpia veu dins del treball.
Es presta una atenció especial al flux, la continuïtat i l’articulació del cos en moviment, combinant l’entrenament tècnic amb l’exploració creativa. El taller està obert a ballarins interessats a anar més enllà dels estils i a implicar-se en una fisicalitat versàtil i híbrida.
El ballarí i coreògraf mozambiquès és el director artístic de la companyia de dansa que porta el seu nom. Horacio Macuacua desenvolupa projectes que busquen anar més enllà de les formes establertes. La flexibilitat mental i la disponibilitat per captar el moment es tradueixen en un moviment que es converteix instantàniament en composicions complexes i elaborades, mostrant profunditat i joc, foscor i llum. Cada composició és un viatge per reinventar-se i transformar-se dins dels paràmetres del significat. Ha desenvolupat projectes com: COMUM, Canais, Orobroy, Stop! (1r Premi i Premi Puma Creative al Festival Danse l’Afrique Danse 2010), Smile If You Can!, Fighting Room, Convoy, Paradise is not in the sky! i Theka.
Horacio ha col·laborat amb coreògrafs com Cristina Moura, Thomas Hauert, George Khumalo, Wim Vandekeybus/Última Vez i David Zambrano, a qui considera el seu mestre i mentor.
Com a docent, ha impartit classes i tallers a França, Alemanya, Espanya, Bèlgica, Holanda, Xipre, Estats Units, Corea del Sud, Brasil, Sud-àfrica, Moçambic, entre d’altres.
La inflexibilitat del que està establert paralitza el moviment, apaga la inventiva i projecta una ombra sobre la sorpresa. Però la força vital ens fa adaptables, ens dona l’oportunitat de transformar l’espai i de traduir l’energia en matèria, la matèria en la seva pròpia evolució. El contorn de l’espontani es difumina fins a desaparèixer, els marges del previsible s’estoven i reconeixem el signe d’interrogació que qüestiona la resposta automàtica. El cos ens permet transcendir.
Horacio proposa un treball altament físic que exigeix atenció, interès i intensitat més que un determinat nivell tècnic, posant a prova el potencial de cada ballarí per portar més enllà els límits de la imaginació corporal i l’expressió, descobrint noves i sorprenents possibilitats.
El taller evoluciona a partir del que aporta el grup, ja que la capacitat de crear i compondre físicament necessita entrenament i atenció, a més de tècnica o estil. A través del procés col·lectiu, els participants aprenen els uns dels altres mitjançant l’acceptació i la transformació, la col·laboració i l’observació de la pròpia dansa i la del conjunt.
La guardonada companyia Alleyne Dance és una companyia única i potent que fusiona influències caribenyes, hip hop i kathak dins d’un context de dansa contemporània. El seu llenguatge coreogràfic se centra en els ritmes i les textures, amb un moviment atlètic, dinàmic i de gran velocitat, combinat amb moments de fluïdesa i lirisme.
Fundada el 2014 per les germanes Kristina i Sadé Alleyne, la companyia aposta per l’alta qualitat i l’excel·lència en els seus tres principals objectius: Interpretació, Participació i Desenvolupament.
Dynamics Rhythm & Texture posa èmfasi en seqüències complexes de treball de terra i en l’exploració tècnica del moviment a través de l’articulació, espirals, respiració i improvisació, sempre des d’una intenció física. El taller té com a objectiu cultivar la creativitat, la musicalitat i la qualitat interpretativa dels ballarins, fomentant decisions honestes i intencionades impulsades per la passió i la força.
Afro-Fusion combina diversos estils enèrgics amb influències de danses tradicionals de Zimbabwe, Nigèria, el Carib i Sud-àfrica, així com estils de dansa occidentals. És una classe motivadora i físicament exigent que barreja moviments amb diferents gèneres musicals i és molt divertida.
Marko Fonseca
Marko Fonseca (Costa Rica) és el director de la companyia independent de dansa Los INnato, fundada el 2009. Format al Conservatori El Barco, ha treballat amb companyies a Costa Rica i Europa, entre les quals Los DenMedium i ADN Dialect. Los INnato ha creat més de 25 obres i ha realitzat gires àmplies per Amèrica, Europa i Àsia. El seu treball actual se centra en la recerca i la col·laboració, i imparteix in-PRACTICAL [identificació de l’altre], una pràctica que fusiona les arts del moviment, les arts marcials i el treball en duo. La companyia ha rebut nombrosos premis internacionals per obres com Kitsch, matchPoint, Etérea i NO/nato, incloent guardons a SóLODOS en Danza Costa Rica i al Concurs Internacional de Coreografia Burgos–Nova York. Fonseca ha desenvolupat el seu treball a través de residències internacionals i va ser codirector del festival internacional de carrer La Machine (2015–2023). Actualment dirigeix la plataforma de formació internacional Revés i el festival Full Out Urban Dance.
Camilla Melani
Ballarina i coreògrafa d’origen italià, Camilla Melani es va formar a IFPRO a París abans d’unir-se a la Junior Company Cobosmika. Amb una sòlida base en dansa clàssica i contemporània, ràpidament va orientar la seva investigació cap al floorwork i el treball en parella, aprofundint en aquestes pràctiques com a eines tant físiques com expressives. Va començar a crear les seves primeres obres a una edat primerenca, presentant-les en festivals i en contextos escènics internacionals. Actualment treballa com a intèrpret amb la Companyia Käfig, dirigida per Mourad Merzouki, i amb la Companyia Dyptik, liderada per Souhail Marchiche i Mehdi Meghari. Paral·lelament, desenvolupa els seus propis projectes a través de la Companyia Circe, amb seu a Tolosa, creant espectacles, tallers i projectes coreogràfics tant a França com internacionalment.
El mètode d’ensenyament Identificació de l’Altre és una tècnica d’entrenament basada en les arts marcials, especialment en la tècnica del jiu-jitsu brasiler, així com en diferents dinàmiques d’entrenament corporal. Té com a objectiu comprendre els principis bàsics del moviment humà i establir diferents connexions amb l’altre. És un mètode que es caracteritza per tenir un pas a pas funcional i didàctic, oferint experiències que faciliten resultats. Disposa d’una sèrie d’exercicis que serveixen per preparar el cos i que estan pensats per treballar la dificultat dels moviments que implica el desenvolupament del “truc” en totes les seves facetes d’aprenentatge: emocional, intel·lectual i corporal-mecànic. Aquest entrenament se centra en la tècnica i està adaptat per optimitzar la força, la coordinació, el to muscular —punt zero—, l’energia, l’instint, la consciència, els rols de líder i seguidor, així com la connexió entre els companys, generant confiança i una bona comunicació. Es busca que no es converteixi només en l’execució d’una acrobàcia, sinó en com “ballar” aquesta destresa i, a través d’ella, fer que forma i contingut estiguin correctament connectats. El flux en la comunicació física depèn de la consciència d’un equilibri compartit.
Rakesh Sukesh és un ballarí contemporani, coreògraf i professor indi establert a Europa, reconegut internacionalment pel seu llenguatge de moviment refinat i una veu coreogràfica reflexiva. Format originalment a l’Índia, Sukesh va ampliar la seva trajectòria a Europa, col·laborant amb coreògrafs de renom mentre desenvolupava el seu propi llenguatge artístic. El seu treball combina la dansa contemporània amb influències de tradicions de moviment índies, arts marcials i pràctiques somàtiques.
Les seves creacions coreogràfiques exploren la identitat, la migració, la memòria i les relacions humanes, combinant precisió tècnica amb profunditat emocional. Sukesh imparteix classes a nivell internacional, centrant-se en la consciència del moviment, el treball en parella i l’exploració creativa, tot animant els ballarins a connectar la tècnica amb l’expressió personal.
El mètode, desenvolupat a través d’anys de recerca, observació i adaptació als temps contemporanis, integra la respiració, el moviment, l’emoció, el pensament, la intenció i l’entorn per potenciar la humanitat en la seva forma més autèntica. Ofereix un espai segur i honest per explorar i reconèixer tant les debilitats com les fortaleses personals, utilitzant-les mitjançant la reflexió i el desenvolupament continu.
És un sistema interconnectat que utilitza el moviment com a base per crear, afrontar i jugar dins de situacions de crisi, ampliant el vocabulari corporal i la consciència individual. Inspirat en pràctiques com la respiració, la meditació i la mecànica interna del ioga —combinades amb el moviment i les filosofies del Kalaripayattu— ofereix un enfocament holístic que desperta els sentits i permet controlar els estímuls externs, fomentant l’autogestió i una connexió més profunda amb un mateix.
Yasser D’Oquendo és un ballarí contemporani i performer reconegut per la seva forta presència física i el seu llenguatge de moviment expressiu, desenvolupat al llarg d’una carrera internacional per Europa i Amèrica Llatina.
Format en dansa contemporània i pràctiques performatives, el seu treball explora sovint la identitat, la memòria física i la relació entre cos, espai i emoció. Al llarg de la seva carrera, ha col·laborat amb nombrosos coreògrafs i companyies, participant en produccions escèniques, festivals i projectes internacionals de gira.
A més de la seva trajectòria com a intèrpret, D’Oquendo participa activament en l’ensenyament i la transmissió, compartint la seva pràctica a través de tallers i processos creatius centrats en la consciència corporal, la recerca del moviment i la presència performativa.
El seu treball destaca per la seva intensitat emocional, precisió i capacitat de connectar profundament amb el públic a través del moviment.
El Mètode D’Oquendo, creat per Yasser D’Oquendo —ballarí, coreògraf i docent amb una carrera internacional—, és un enfocament de moviment que integra tècnica, consciència corporal i animalitat. El seu objectiu és proporcionar eines pràctiques per connectar amb el cos de manera holística, expandir el potencial expressiu i descobrir el poder transformador de l’instint.
Aquest mètode sorgeix de molts anys d’experiència professional en dansa contemporània, folklòrica, moderna i clàssica, i combina tècnica, respiració, consciència corporal i improvisació per guiar cada persona cap a un moviment autèntic, profund i plenament present.
El Mètode D’Oquendo proposa una manera d’habitar el cos a través de l’escolta i l’organicitat, despertant el poder expressiu que resideix en cada individu. Una dansa que no només s’interpreta: es sent, s’encarna i es transforma en una presència viva.
Chaz Buzan és un ballarí, coreògraf i educador amb arrels a Arizona, el treball del qual abasta la interpretació, l’ensenyament i la col·laboració creativa. El seu moviment explora la juxtaposició entre l’impuls i la quietud, creant obres que són alhora precises i profundament humanes. Chaz aporta una presència emocional arrelada i una fisicalitat refinada a cada projecte. Els seus crèdits professionals inclouen actuacions i coreografies per a artistes de renom mundial com Madonna, Britney Spears, FKA twigs i Chappell Roan. Ha participat en alguns dels escenaris més importants de la indústria, com els MTV Video Music Awards, els Grammy Awards i, recentment, la 97a edició dels Premis de l’Acadèmia. Amb ganes de continuar el seu recorregut, segueix creant i connectant amb artistes joves i professionals d’arreu del món.
Una classe contemporània d’alta intensitat basada en la potència, la musicalitat i el compromís interpretatiu. Els ballarins treballaran amb seqüències exigents que requereixen resistència, precisió i una intensitat corporal total. La classe explora l’equilibri entre la força física en estat pur i el control intencional, posant èmfasi en un moviment que és ferotge però clar. A través de frases vigoroses i intricades, els ballarins aprofundiran en la consciència musical, superaran els seus límits energètics habituals i assumiran riscos mentre defineixen una nova intensitat amb detall refinat. Junts, cultivarem un sentit més elevat de qualitat escènica, una connexió física encarnada i conscient amb la música i, finalment, una presència escènica poderosa.
Marie-Louise Hertog és una ballarina contemporània neerlandesa establerta a Alemanya, que actualment treballa com a intèrpret a la MiR Dance Company sota la direcció de Giuseppe Spota. Graduada a Codarts, ha treballat amb Nanine Linning Dance Company, Scapino Ballet i nombrosos coreògrafs convidats internacionals. El 2025 va coreografiar Sacre per a Scapino Ballet i ha compartit la seva recerca en improvisació a través de tallers, actuacions i col·laboracions tant en escena com en pantalla.
Aquest taller combina tasques d’improvisació guiada amb frases coreogràfiques apreses per explorar la qualitat del moviment, la musicalitat, la coordinació i la diversitat física. Mitjançant l’ús de regles simples, imatges i exercicis estructurats, els participants investigaran com les limitacions poden esdevenir eines per a la creativitat i com l’estructura pot obrir noves possibilitats de llibertat en el moviment.
El material compartit es desenvoluparà i s’ampliarà al llarg de la setmana, fomentant la curiositat, l’adaptabilitat i una major consciència dels hàbits i preferències de moviment personals. Treballant tant amb material improvisat com amb material fixat, es convida els ballarins a reflexionar sobre com prenen decisions, responen a la informació musical i espacial, i construeixen claredat dins de la complexitat. El taller té com a objectiu reforçar la confiança, la presència i una comprensió creixent del llenguatge de moviment individual dins d’un entorn d’aprenentatge col·lectiu.
SAMUEL LEFEUVRE
Format en dansa a Caen i al CNDC d’Angers, Samuel Lefeuvre es va traslladar a Brussel·les l’any 2001, on va treballar com a intèrpret amb Michèle Anne De Mey i Les Ballets C. de la B. Posteriorment es va unir a Peeping Tom, va cofundar ENTORSE amb Raphaëlle Latini, va crear diverses obres i va col·laborar amb Jérôme Bel i Boris Charmatz/TERRAIN, participant també en la creació del Festival d’Avinyó 2014 a la Cour d’Honneur.
LAUREN LANGLOIS
Lauren Langlois es va incorporar a Peeping Tom el 2020 per a Triptych. Anteriorment va ballar amb Australian Dance Theatre, Sydney Dance Company i Chunky Move, obtenint importants nominacions a premis. Va col·laborar extensament amb Anouk van Dijk, amb qui va guanyar un Green Room Award, i ha treballat amb nombroses companyies. Becària de la Tanja Liedtke Fellowship, també coreografia a escala internacional i crea obres per a diverses institucions arreu del món.
FRANCK CHARTIER (professor convidat en línia)
Franck Chartier va començar a ballar als onze anys i es va formar en ballet clàssic a Cannes. Va actuar amb el Ballet du 20ème Siècle, va treballar amb Angelin Preljocaj i més tard es va unir a importants companyies de Brussel·les com Rosas, Needcompany i Les Ballets C de la B. Cofundador de Peeping Tom l’any 2000, dirigeix produccions de dansa i òpera reconegudes internacionalment. Ha creat obres per al Nederlands Dans Theater.
Per primera vegada des de la creació de la sèrie Kitchen, Peeping Tom surt del seu estudi de Brussel·les per participar a Vertebra Dansa 2026. Dirigit per Samuel Lefeuvre i Lauren Langlois, amb una conferència en línia de Franck Chartier, aquest intensiu d’estiu ofereix una visió del procés creatiu de la companyia.
Durant cinc dies, els participants desenvoluparan idees a partir de la vida quotidiana, utilitzaran l’entorn com a font de moviment i construiran personatges a través del context i l’espai. Mitjançant un enfocament multidisciplinari, donaran forma i estructura al material fins a convertir-lo en una peça coherent.
Obert a intèrprets, coreògrafs i artistes, el taller proporciona eines per a la creació tant individual com col·lectiva.
Des del 2010, la guardonada ballarina i coreògrafa independent Maura lidera la seva pròpia companyia de dansa, la Cooperativa Maura Morales, juntament amb el compositor Michio Woirgardt, per a la qual ha creat diverses peces de llarga durada des de llavors. Amb una mitjana d’unes 50 funcions anuals, el conjunt és una de les companyies independents de dansa amb més activitat de gira a Alemanya (tant en l’àmbit nacional com internacional), actuant regularment per Europa, Àsia i Amèrica del Sud. Maura Morales també és una coreògrafa convidada molt sol·licitada i ha creat obres per encàrrec per a nombrosos teatres estatals i municipals.
Des d’una profunda preocupació per respectar el cos com un aliat i no només com una eina, Maura proposa un taller en què l’enfocament inicial se centra en una escolta sensible i sensorial del cos. A través de seqüències, respiració profunda i escalfaments amb improvisació, es desperten les sensacions i es refina la percepció corporal.
Maura combina jocs, dinàmiques energètiques, improvisació i treball de terra per potenciar la consciència del cos en moviment. Utilitza la velocitat com a catalitzador que permet integrar aquesta consciència en respostes espontànies, orgàniques i autèntiques, nascudes d’un cos plenament present i compromès.
Juntament amb el compositor i músic Michio Woirgardt, convidarà els participants a endinsar-se en el llenguatge, les eines, la manera de treballar i el procés de creació de la Cooperativa Maura Morales. Explorarem les dinàmiques i ritmes del moviment, així com el valuós paper de la música com a guia quan s’escolta amb atenció durant la creació. La importància del perquè abans del com.
Candela Capitán (Sevilla, 1996) és una artista interdisciplinària i coreògrafa el treball de la qual se situa a la intersecció entre la dansa, la performance i la intervenció digital. La seva pràctica explora el cos com a mitjà i suport, investigant com el poder, la tecnologia i la hipervisibilitat configuren l’experiència corporal i el desig en la societat contemporània. Des d’una perspectiva feminista, el seu treball qüestiona les formes de representació i els mecanismes de poder que travessen els cossos i les subjectivitats, desenvolupant una obra que reuneix experimentació, reflexió i creació artística.
Explora els intersticis entre la composició coreogràfica i la performance. Candela Capitán desenvolupa els seus projectes a través d’aquestes dues disciplines, entenent que cada obra requereix una estructura específica determinada pel mateix projecte, evitant criteris preconcebuts pel que fa a la forma o el contingut.
Durant el taller se seleccionarà un tema comú per al treball col·lectiu, que servirà com a punt de partida per al desenvolupament d’idees, la planificació d’estructures, la implementació d’exercicis de composició coreogràfica i la creació d’una estructura definida.
El laboratori combina pràctica coreogràfica, anàlisi i reflexió crítica, abordant aspectes recurrents en el treball de l’artista, com els efectes de les tecnologies de la comunicació sobre el cos, la sobreexposició del cos femení, la saturació d’imatges en els entorns digitals i les dinàmiques d’alienació contemporània.
Wim Vandekeybus és un coreògraf, ballarí, cineasta i artista visual belga, àmpliament reconegut com una de les figures més influents de la dansa contemporània europea. El 1986 va fundar Ultima Vez, aconseguint reconeixement internacional per redefinir la performance contemporània a través del risc, la imprevisibilitat i una intensa interacció física. Les seves obres exploren l’instint, el conflicte i la relació entre cos i ment, sovint difuminant les fronteres entre dansa i teatre. Més enllà de la coreografia, ha dirigit pel·lícules i ha creat projectes d’arts visuals, continuant expandint el llenguatge de la performance a nivell internacional.
Aquest taller, impartit per Wim Vandekeybus amb l’assistència de Masha Kolegova, es divideix en dues parts complementàries. La primera se centra en l’entrenament tècnic del llenguatge físic desenvolupat en les produccions d’Ultima Vez, treballant el terra, l’ús de l’espai, la llegibilitat del moviment, la musicalitat i la complicitat. La segona part explora la posada en escena teatral: com una idea, història, emoció o memòria es pot transformar en una performance on el moviment i la paraula conviuen. Es reflexiona sobre l’impacte de les formes escollides en l’experiència del públic, el valor del buit i el concepte de “menys és més”. Més que un taller formatiu, aquesta setmana intensiva és un espai d’intercanvi i creació, on es treballen les habilitats creatives i la connexió amb el resultat escènic final.
James Vu Anh Pham ha treballat extensament amb destacats coreògrafs i companyies internacionals, incloent-hi Anouk van Dijk des de 2012, Sidi Larbi Cherkaoui des de 2016 i Akram Khan des de 2019.
Ha participat en nombroses produccions amb Chunky Move, Eastman, GöteborgsOperans Danskompani, Bayerische Staatsoper, Theater Basel i Outwitting the Devil de la companyia d’Akram Khan, fent gires internacionals.
Pham va rebre el premi Helpmann l’any 2014 i l’Australian Dance Award a la millor interpretació masculina. Professor certificat de Countertechnique des de 2014, es va incorporar a Opera Ballet Vlaanderen el 2021, on ha interpretat obres d’Alain Platel i Jan Martens. Més recentment, ha fet gira internacional amb Madonna.
Aquest taller s’endinsa en una pràctica de moviment híbrida arrelada en la dansa urbana i ampliada amb eines contemporànies, treball de terra i improvisació. A partir del seu llenguatge personal, James proposa un enfocament dinàmic que connecta precisió, groove i fluïdesa, amb un fort èmfasi en les transicions i la textura.
Els participants exploraran els camins entre la posició dempeus i el treball de terra, treballant l’eficiència, el control i l’assumpció de riscos, alhora que desenvolupen la consciència del temps, la musicalitat i la intenció espacial. La classe es mou entre material guiat i recerca oberta, encoratjant cada ballarí a trobar la seva pròpia veu dins del treball.
Es presta una atenció especial al flux, la continuïtat i l’articulació del cos en moviment, combinant l’entrenament tècnic amb l’exploració creativa. El taller està obert a ballarins interessats a anar més enllà dels estils i a implicar-se en una fisicalitat versàtil i híbrida.
El ballarí i coreògraf mozambiquès és el director artístic de la companyia de dansa que porta el seu nom. Horacio Macuacua desenvolupa projectes que busquen anar més enllà de les formes establertes. La flexibilitat mental i la disponibilitat per captar el moment es tradueixen en un moviment que es converteix instantàniament en composicions complexes i elaborades, mostrant profunditat i joc, foscor i llum. Cada composició és un viatge per reinventar-se i transformar-se dins dels paràmetres del significat. Ha desenvolupat projectes com: COMUM, Canais, Orobroy, Stop! (1r Premi i Premi Puma Creative al Festival Danse l’Afrique Danse 2010), Smile If You Can!, Fighting Room, Convoy, Paradise is not in the sky! i Theka.
Horacio ha col·laborat amb coreògrafs com Cristina Moura, Thomas Hauert, George Khumalo, Wim Vandekeybus/Última Vez i David Zambrano, a qui considera el seu mestre i mentor.
Com a docent, ha impartit classes i tallers a França, Alemanya, Espanya, Bèlgica, Holanda, Xipre, Estats Units, Corea del Sud, Brasil, Sud-àfrica, Moçambic, entre d’altres.
La inflexibilitat del que està establert paralitza el moviment, apaga la inventiva i projecta una ombra sobre la sorpresa. Però la força vital ens fa adaptables, ens dona l’oportunitat de transformar l’espai i de traduir l’energia en matèria, la matèria en la seva pròpia evolució. El contorn de l’espontani es difumina fins a desaparèixer, els marges del previsible s’estoven i reconeixem el signe d’interrogació que qüestiona la resposta automàtica. El cos ens permet transcendir.
Horacio proposa un treball altament físic que exigeix atenció, interès i intensitat més que un determinat nivell tècnic, posant a prova el potencial de cada ballarí per portar més enllà els límits de la imaginació corporal i l’expressió, descobrint noves i sorprenents possibilitats.
El taller evoluciona a partir del que aporta el grup, ja que la capacitat de crear i compondre físicament necessita entrenament i atenció, a més de tècnica o estil. A través del procés col·lectiu, els participants aprenen els uns dels altres mitjançant l’acceptació i la transformació, la col·laboració i l’observació de la pròpia dansa i la del conjunt.
La guardonada companyia Alleyne Dance és una companyia única i potent que fusiona influències caribenyes, hip hop i kathak dins d’un context de dansa contemporània. El seu llenguatge coreogràfic se centra en els ritmes i les textures, amb un moviment atlètic, dinàmic i de gran velocitat, combinat amb moments de fluïdesa i lirisme.
Fundada el 2014 per les germanes Kristina i Sadé Alleyne, la companyia aposta per l’alta qualitat i l’excel·lència en els seus tres principals objectius: Interpretació, Participació i Desenvolupament.
Dynamics Rhythm & Texture posa èmfasi en seqüències complexes de treball de terra i en l’exploració tècnica del moviment a través de l’articulació, espirals, respiració i improvisació, sempre des d’una intenció física. El taller té com a objectiu cultivar la creativitat, la musicalitat i la qualitat interpretativa dels ballarins, fomentant decisions honestes i intencionades impulsades per la passió i la força.
Afro-Fusion combina diversos estils enèrgics amb influències de danses tradicionals de Zimbabwe, Nigèria, el Carib i Sud-àfrica, així com estils de dansa occidentals. És una classe motivadora i físicament exigent que barreja moviments amb diferents gèneres musicals i és molt divertida.
Marko Fonseca
Marko Fonseca (Costa Rica) és el director de la companyia independent de dansa Los INnato, fundada el 2009. Format al Conservatori El Barco, ha treballat amb companyies a Costa Rica i Europa, entre les quals Los DenMedium i ADN Dialect. Los INnato ha creat més de 25 obres i ha realitzat gires àmplies per Amèrica, Europa i Àsia. El seu treball actual se centra en la recerca i la col·laboració, i imparteix in-PRACTICAL [identificació de l’altre], una pràctica que fusiona les arts del moviment, les arts marcials i el treball en duo. La companyia ha rebut nombrosos premis internacionals per obres com Kitsch, matchPoint, Etérea i NO/nato, incloent guardons a SóLODOS en Danza Costa Rica i al Concurs Internacional de Coreografia Burgos–Nova York. Fonseca ha desenvolupat el seu treball a través de residències internacionals i va ser codirector del festival internacional de carrer La Machine (2015–2023). Actualment dirigeix la plataforma de formació internacional Revés i el festival Full Out Urban Dance.
Camilla Melani
Ballarina i coreògrafa d’origen italià, Camilla Melani es va formar a IFPRO a París abans d’unir-se a la Junior Company Cobosmika. Amb una sòlida base en dansa clàssica i contemporània, ràpidament va orientar la seva investigació cap al floorwork i el treball en parella, aprofundint en aquestes pràctiques com a eines tant físiques com expressives. Va començar a crear les seves primeres obres a una edat primerenca, presentant-les en festivals i en contextos escènics internacionals. Actualment treballa com a intèrpret amb la Companyia Käfig, dirigida per Mourad Merzouki, i amb la Companyia Dyptik, liderada per Souhail Marchiche i Mehdi Meghari. Paral·lelament, desenvolupa els seus propis projectes a través de la Companyia Circe, amb seu a Tolosa, creant espectacles, tallers i projectes coreogràfics tant a França com internacionalment.
El mètode d’ensenyament Identificació de l’Altre és una tècnica d’entrenament basada en les arts marcials, especialment en la tècnica del jiu-jitsu brasiler, així com en diferents dinàmiques d’entrenament corporal. Té com a objectiu comprendre els principis bàsics del moviment humà i establir diferents connexions amb l’altre. És un mètode que es caracteritza per tenir un pas a pas funcional i didàctic, oferint experiències que faciliten resultats. Disposa d’una sèrie d’exercicis que serveixen per preparar el cos i que estan pensats per treballar la dificultat dels moviments que implica el desenvolupament del “truc” en totes les seves facetes d’aprenentatge: emocional, intel·lectual i corporal-mecànic. Aquest entrenament se centra en la tècnica i està adaptat per optimitzar la força, la coordinació, el to muscular —punt zero—, l’energia, l’instint, la consciència, els rols de líder i seguidor, així com la connexió entre els companys, generant confiança i una bona comunicació. Es busca que no es converteixi només en l’execució d’una acrobàcia, sinó en com “ballar” aquesta destresa i, a través d’ella, fer que forma i contingut estiguin correctament connectats. El flux en la comunicació física depèn de la consciència d’un equilibri compartit.
Rakesh Sukesh és un ballarí contemporani, coreògraf i professor indi establert a Europa, reconegut internacionalment pel seu llenguatge de moviment refinat i una veu coreogràfica reflexiva. Format originalment a l’Índia, Sukesh va ampliar la seva trajectòria a Europa, col·laborant amb coreògrafs de renom mentre desenvolupava el seu propi llenguatge artístic. El seu treball combina la dansa contemporània amb influències de tradicions de moviment índies, arts marcials i pràctiques somàtiques.
Les seves creacions coreogràfiques exploren la identitat, la migració, la memòria i les relacions humanes, combinant precisió tècnica amb profunditat emocional. Sukesh imparteix classes a nivell internacional, centrant-se en la consciència del moviment, el treball en parella i l’exploració creativa, tot animant els ballarins a connectar la tècnica amb l’expressió personal.
El mètode, desenvolupat a través d’anys de recerca, observació i adaptació als temps contemporanis, integra la respiració, el moviment, l’emoció, el pensament, la intenció i l’entorn per potenciar la humanitat en la seva forma més autèntica. Ofereix un espai segur i honest per explorar i reconèixer tant les debilitats com les fortaleses personals, utilitzant-les mitjançant la reflexió i el desenvolupament continu.
És un sistema interconnectat que utilitza el moviment com a base per crear, afrontar i jugar dins de situacions de crisi, ampliant el vocabulari corporal i la consciència individual. Inspirat en pràctiques com la respiració, la meditació i la mecànica interna del ioga —combinades amb el moviment i les filosofies del Kalaripayattu— ofereix un enfocament holístic que desperta els sentits i permet controlar els estímuls externs, fomentant l’autogestió i una connexió més profunda amb un mateix.
Yasser D’Oquendo és un ballarí contemporani i performer reconegut per la seva forta presència física i el seu llenguatge de moviment expressiu, desenvolupat al llarg d’una carrera internacional per Europa i Amèrica Llatina.
Format en dansa contemporània i pràctiques performatives, el seu treball explora sovint la identitat, la memòria física i la relació entre cos, espai i emoció. Al llarg de la seva carrera, ha col·laborat amb nombrosos coreògrafs i companyies, participant en produccions escèniques, festivals i projectes internacionals de gira.
A més de la seva trajectòria com a intèrpret, D’Oquendo participa activament en l’ensenyament i la transmissió, compartint la seva pràctica a través de tallers i processos creatius centrats en la consciència corporal, la recerca del moviment i la presència performativa.
El seu treball destaca per la seva intensitat emocional, precisió i capacitat de connectar profundament amb el públic a través del moviment.
El Mètode D’Oquendo, creat per Yasser D’Oquendo —ballarí, coreògraf i docent amb una carrera internacional—, és un enfocament de moviment que integra tècnica, consciència corporal i animalitat. El seu objectiu és proporcionar eines pràctiques per connectar amb el cos de manera holística, expandir el potencial expressiu i descobrir el poder transformador de l’instint.
Aquest mètode sorgeix de molts anys d’experiència professional en dansa contemporània, folklòrica, moderna i clàssica, i combina tècnica, respiració, consciència corporal i improvisació per guiar cada persona cap a un moviment autèntic, profund i plenament present.
El Mètode D’Oquendo proposa una manera d’habitar el cos a través de l’escolta i l’organicitat, despertant el poder expressiu que resideix en cada individu. Una dansa que no només s’interpreta: es sent, s’encarna i es transforma en una presència viva.